« J’aime le design et le savoir-faire artisanal, je suis sensible à la noblesse du travail manuel. L’Italie et le Vietnam m’ont toujours séduit par l’éventail de leurs talents.

Depuis 2006, date de création de RED Édition, j’ai à cœur de créer des meubles simples, beaux, colorés, design. Et de travailler comme j’aime : entouré, secondé, motivé, inspiré par des amis, de super designers, des talents de tout poil… c’est ce qui fait la particularité et la richesse de Red Édition. Aimer la tendance mais penser au pratique, penser nos meubles pour vos intérieurs, rester proches de vos envies, rester sympathiques : avoir toujours à l’esprit que Red Édition c’est votre marque.

Imaginer nos meubles à Paris, les fabriquer à Milan, les vendre à Hong Kong, être plébiscités à Copenhague me réjouit ! »

Le duo, composé des designers Alexis Foiny et Antoine Behaghel, conçoit une nouvelle typologie de mobilier sous forme d’objets transitoires. Partant du postulat que l’univers domestique auquel nous avons accès chez les grands distributeurs semble parfois coincé dans des représentations préfabriquées et standardisées, ils proposent un univers domestique alternatif. Aussi qualifié de laboratoire, le studio de design multiplie donc les expérimentations de manière exhaustive, sous la forme d’un inventaire.

Caroline Venet créé Studiofoam en 2017, qu’elle conçoit comme un laboratoire de recherche. À travers ce studio de design, Caroline propose une interprétation unique des matériaux, questionne les techniques et processus de fabrication, entre innovation et savoir-faire traditionnel. La designer explore les frontières entre art, artisanat et design. Elle y développe une approche multiple, allant de l’expérimentation à l’installation, du design de matériaux & surfaces, au design produit, set design, scénographie et direction artistique.

Emmanuelle a fondé en 2007 à Paris son studio de création développant une approche transversale et pluridisciplinaire entre le design, le graphisme et la création contemporaine. En complément de sa pratique personnelle, elle a co-fondé en 2017 avec trois autres artistes céramistes, un atelier et un collectif nommés gangster, basé à Paris dans le quartier de Bastille. Elle développe un travail de recherche et d’expérimentation autour du matériau terre. Une approche du design et du faire pensée de manière pluridisciplinaire et empirique, où les propriétés intrinsèques de la matière et le processus de transformation tiennent une place centrale dans la conception. Les objets, les dispositifs conçus, à mi-chemin entre l’utilitaire et la sculpture, dégagent une dimension architecturale et posent la question de notre rapport à la nature, aux matières premières et aux processus de construction. Le travail de la terre invite à un perpétuel va-et-vient entre un matériau ancestral, des savoirs-faire séculaires et son inscription dans la création contemporaine comme une matière aux usages multiples, avec une forte dimension environnementale et durable.

Dans sa réflexion globale sur les matériaux, leur provenance, leur pérennité à l’Ére Anthropocène, Emmanuelle Roule présente une fontaine en terre qui ne coule plus, évoquant l’impermanence naissante de notre rapport à la matière et aux ressources.

Pascal Oudet est tourneur d’art sur bois, installé à côté de Grenoble. Ses pièces sont inspirées par l’effet de l’usure du temps qui révèle la structure profonde des matériaux naturels. A partir de chênes soigneusement choisis, il crée des formes d’une grande finesse, dont il révèle ensuite la structure par sablage. Dans un équilibre constant entre agressivité pour user la matière, et délicatesse pour préserver son intégrité, il va jusqu’à la transparence pour donner naissance à une véritable dentelle de bois. Ses créations, alliant maîtrise technique et délicatesse, nous plongent dans l’histoire des arbres dans un subtil jeu de matière et de lumière. Cette technique qu’il a inventée suscite l’intérêt des collectionneurs et galeries dans le monde entier. Ses pièces sont présentes dans les collections permanentes d’Ateliers d’Art de France, de l’American Association of Woodturners et du New York Museum of Art and Design, ainsi que dans des collections privées en Asie, Moyen Orient, Europe et Etats-Unis. En 2012, son travail a été récompensé par le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris, et en 2014 par le prix du public au Festival International des Métiers d’Art de Baccarat.

Antoine vit entre Paris et Marseille à la recherche d’une légèreté structurelle et formelle. Il étudie à l’ESAD Orléans, une école libre proposant un programme ouvert sur le graphisme, l’objet et l’espace. En 2015, il rejoint la Suisse et l’écal pour un Master en Design Industriel qui amène à de riches collaborations avec E15, Victorinox ou encore Vitra. Souhaitant rester versatile, il participe et devient lauréat de la Design Parade 3 consacré à l’architecture d’intérieur, qui lui offre par la suite la liberté de créer des espaces pour l’Ancien Eveché à Toulon ainsi qu’une scénographie pour les expositions d’architecture à la Villa Noailles. Il dessine actuellement une collection de Mobilier ainsi qu’une fresque pour les Halles Municipales de Toulon, et crée notamment des Illustrations et espaces de restauration pour Monoprix.

Siamese est un bas relief composé de deux courbes dans un plateau et vissé au mur par 4 Tubes d’hauteurs variables. Ces trois éléments sont visuellement liés par une couleur lumineuse et douce faisant echos à l’oeuvre iconique, la Lampshade de Man Ray.

« Depuis le début, notre parti pris est celui de l’art contemporain abstrait, qui nous semble être l’expression la plus forte de la liberté créative de chaque artiste qui doit créer son propre vocabulaire pictural.

Au contraire de la figuration, l’abstraction permet aussi un champ d’interprétation sans limite où l’imaginaire de chacun est à l’épreuve. Ne jamais voir deux fois la même chose dans un tableau, là est la force de l’abstraction.

Nous voulons faire émerger une nouvelle génération d’artistes qui méritent une place de premier plan sur le marché de l’art.

Qu’ils soient jeunes ou déjà présents dans des collections prestigieuses, le point commun à tous nos artistes est leur talent et le potentiel que notre comité d’experts leur reconnaît.

Notre mission est de les accompagner dans leur travail, d’accroître leur visibilité, leur notoriété et leur cote. »

IGO, studio de photographie récemment basé à Marseille, crée des images dans les domaines de la mode, de l’architecture et du design, ainsi que des clips musicaux pour différents artistes.

Leur travail ne s’arrête pas à un style défini et se caractérise par une forme d’expérimentation permanente, un renouvellement sans limites.

Alison Thirion découvre la céramique en 2015 et choisit la terre comme moyen d’expression, en volume et en couleur. Inspirée par les arts, le paysage urbain ainsi que le lien entre l’objet et le corps, elle crée des pièces faites une à une à la main en petites séries, dans son atelier en région parisienne. En utilisant la technique traditionnelle du tour de potier au service de formes contemporaines, elle inscrit ses créations dans une relative intemporalité. Les lignes de ses céramiques sont architecturales et graphiques, la couleur posée en monochrome. Dans un jeu de construction et de perception, elle questionne l’usage de l’objet en façonnant des pièces singulières, à mi-chemin entre utilitaires et petites sculptures.

Samy Rio a étudié l’ébénisterie pendant quatre ans avant de fréquenter l’École nationale de design industriel (Ensci) à Paris, où il a suivi un cours de cinq ans en design industriel. Ce double cursus lui permet de combiner des techniques industrielles et artisanales qu’il considère complémentaires et indispensables l’une à l’autre.

En octobre 2014, il est diplômé de l’Ensci-Les Ateliers avec les félicitations du jury grâce à ses recherches sur l’utilisation des tubes en bambou et à leurs applications industrielles.

En juillet 2015, il remporte avec ce même projet le premier prix de la Design Parade 10, organisée par la Villa Noailles. A l’issue de ce prix, il est invité en tant qu’artiste en résidence au Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts Visuels (CIRVA) à Marseille et à la Cité de la Céramique à Sèvres. Il entame également une collaboration avec la galerie kreo, suite à sa résidence à l’Institut national de recherche et de développement en artisanat de Taiwan (NTCRI).

Lors de chaque résidence ou nouveau projet, Samy Rio poursuit ses travaux expérimentaux sur différents matériaux, explorant toujours davantage les liens entre artisanat séculaire et industrie moderne, entre tradition et nouveaux outils, questionnant autant la manière dont nous produisons les objets que les objets eux-mêmes.

 » Les étudiants de l’école de photographie-ENSP sont poussés dans leurs retranchements (Jean Marquès), à la lumière des grands (Lucien Clergue), les matières les plus brutes et les formes les plus minimales se révèlent aux jeunes designers (Nikita Garrido, Emmanuelle Roule, Le Morandine, Argot Studio, Alison Thirion) et ce qui est détestable devient enviable (Moustique). Il en résulte des créations singulières, qu’on ne voit nulle-part-ailleurs, un critère rare et cher au collectionneur averti. La sélection joue parallèlement des couleurs arlésiennes, entre le noir et blanc de la photographie, symbole de la ville, et des ocres pâles, des teintes de la pierre et des enduits qui recouvrent la plus grande partie des maisons. »

Samy Rio a étudié l’ébénisterie pendant quatre ans avant de fréquenter l’École nationale de design industriel (Ensci) à Paris, où il a suivi un cours de cinq ans en design industriel. Ce double cursus lui permet de combiner des techniques industrielles et artisanales qu’il considère complémentaires et indispensables l’une à l’autre.

En octobre 2014, il est diplômé de l’Ensci-Les Ateliers avec les félicitations du jury grâce à ses recherches sur l’utilisation des tubes en bambou et à leurs applications industrielles.

En juillet 2015, il remporte avec ce même projet le premier prix de la Design Parade 10, organisée par la Villa Noailles. A l’issue de ce prix, il est invité en tant qu’artiste en résidence au Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts Visuels (CIRVA) à Marseille et à la Cité de la Céramique à Sèvres. Il entame également une collaboration avec la galerie kreo, suite à sa résidence à l’Institut national de recherche et de développement en artisanat de Taiwan (NTCRI).

Lors de chaque résidence ou nouveau projet, Samy Rio poursuit ses travaux expérimentaux sur différents matériaux, explorant toujours davantage les liens entre artisanat séculaire et industrie moderne, entre tradition et nouveaux outils, questionnant autant la manière dont nous produisons les objets que les objets eux-mêmes.